Живая цифра — 2013

a981215518b9f96e30c4a31382777df2[1]Читая книгу Дэна Маргулиса про PPW и обсуждая ее материал в блоге автора, я случайно наткнулся на комментарий Павла Косенко, причем комментарий был одним из первых к записи о том, что сам Маргулис выпустил свою новую книгу. В том далеком, 2013 году, Павел выпустил свою книгу, посвященную управлению цветом в фотографии. Комментарий меня заинтересовал. И вот, уже в нынешнем году, спустя несколько лет после публикации, у меня все же дошли руки ознакомиться с творением Павла. Так уж получилось, что перед книгой «Живая цифра», я достаточно подробно изучил крайний труд Дэна Маргулиса по процессу PPW и невольно сравнивал обе эти книги.

Павел Косенко человек, безусловно, талантливый, а если посмотреть на его биографию, то и творческий. А что получается, когда соединяется способность творить и неограниченный талант? Тогда на свет появляются шедевры. Впрочем, я наблюдал за фотографической деятельностью Павла и могу отметить, что он добился весьма и весьма впечатляющих успехов на этом поприще. И видимо, развившись до определенного уровня развития, повинуясь внутреннему неминуемому чувству менторства, Павел решил вылить на страницы книги свои знания и свой опыт в фотографии. Конечно, выплеснуть все свои знания в рамках одной книги невозможно, она будет содержать тысячи страниц, впрочем, и закончена она тоже не будет никогда, ведь по мере написания, придется вносить коррективы в уже написанные главы. Опыт-то не стоит на месте, его поклажа только увеличивается с годами.

На сайте одного из онлайн-магазинов некто из читателей, весьма нелестно отозвался о книге, дескать, в ней мало советов начинающим фотографам, а для профессионалов лишний раз повторять прописные истины не стоит. Более того, анонимный автор жаловался, что ценного материала в книге «кот наплакал», а большая ее часть посвящена raw-конвертеру RPP, который выпускают друзья Павла. Такой мощный отзыв лишь только подхлестнул мой интерес к книге.

В книге «Живая цифра», автор, с одной стороны, старается изложить свой взгляд на проблему цвета в живописи и фотографии, а с другой, готов и дает ценные рекомендации своим читателям. Причем позиция Павла Косенко опирается, в основе своей, на работы исследователей цвета из прошлого. Я не буду сыпать именитыми фамилиями, но ведь действительно, люди в прошлом уделяли весьма много времени для того, дабы научиться писать впечатляющие картины, понимать взаимосвязи цветов, насыщенности и контраста. А потом в наш мир пришла фотография, сначала черно-белая, а затем и цветная. Но и здесь не обошлось без вдумчивого процесса работы над фотоматериалами. Ну и, наконец, случилось то, что случилось. В мир ворвалась цифровая фотография, от которой неожиданно, некоторых людей начало воротить.

Любая школьница, прикупив по случаю, тяжелую фотокамеру, может нащелкать тысячи три снимков за две недели и возомнить себя неимоверно крутым фотографом. Почти как Пушкин, только в мире фотографии. И ведь действительно, если посмотреть на фотографии школьницы, то они технически будут выполнены безукоризненно. В них будет и фокус, и баланс белого, и глубина резкости, даже горизонт не будет завален в большинстве композиций. А вот, как-то рука не поднимется назвать их художественными фотографиями. И на ум тут приходит известное изречение: «Снимает не камера, а фотограф». Вот ведь как получается, несмотря на весь прогресс, результирующее качество фотографии, в первую очередь, ее эстетическая ценность, определяется именно человеком. С его несовершенным глазом и очень хитро интерпретирующим изображения мозгом. И именно с этой позиции Павел Косенко строит свое повествование в книге «Живая цифра».

Вариативность цвета

При чтении книги, первое что бросается в глаза это то, что с одной стороны, Павел совершенно верно замечает, что при увеличении насыщенности цвета человеческий глаз перестает различать его оттенки. Такова наша физиологическая особенность. Соответственно, при уменьшении насыщенности, автоматически увеличивается вариативность оттенков цвета, если они до этого были в фотографии. Помимо этого и с другой стороны, при уменьшении светлоты (в терминах книги), увеличивается цветовой контраст между цветами и оттенками. Но на фоне всего этого, автор отрицает правильность коррекции цвета без затрагивания его светлоты, дескать, это противоречит человеческому восприятию, хотя легендарный Дэн Маргулис, настаивает на прямо противоположной тактике и рекомендует отдельно заниматься цветами и отдельно светлотой.

Различные варианты сочетамости цветов на цветовом круге

Различные варианты сочетамости цветов на цветовом круге

Действительно, начиная с определенного уровня развития, начинаешь замечать и понимать эту самую вариативность. А что мы имеем в модерновых фотоснимках? Буйство красок и почти полное отсутствие мелких цветовых различий в рамках одного цвета. И на подсознательном уровне, нам такая картинка, в большинстве случаев, приходится не по нраву. Нам видна ее неестественность и искусственность, хотя мы и не понимаем почему. А причина тому именно физиологическое восприятие цвета и света человеком, его несовершенной связкой глаза и мозга.

Дабы подтвердить свою позицию автор приводит несколько экспериментов с цветами, а заодно подкрепляет выводы полотнами и фотографиями признанных мастеров. Но и в пику некоторым комментаторам, тут же дает советы, как лучше всего «обмануть» восприятие человека и подсунуть ему лучшую картину, чем та, которая есть в действительности. Приводя в пример многочисленные образчики народных промыслов, Косенко выводит вполне работающую формулу:

Для повышения вариативности теплых тонов, следует размещать их в окружении больших и множественных светлых областей. Теплые тона будут восприниматься человеком как более насыщенные и имеющие больше оттенков если их будут окружать темные области.

Для холодных же тонов, следует помещать их в окружении темных областей для повышения вариативности цвета, а окружение из светлых областей пойдет на пользу восприятия насыщенности холодных тонов.

Вот такие вот особенности восприятия, которыми грамотные художники (и неважно, пишут они или фотографируют) оперируют и добиваются весьма недурных результатов. И если работа с областями требует хотя бы сноровки, то другой совет автора очень прост и его очень легко применить на практике. Павел рекомендует, для некоторых сюжетов, просто понизить экспозицию на 1–0.5 ступени. Это приведет к небольшой недоэкспозиции, а соответственно и к смещению основной части снимка к наиболее чувствительной области человеческого восприятия. Сдвиг в область четвертьтонов, благостно влияет на общее восприятие фотографии. Исключение составляют синие цвета, которые могут быть сдвинуты немного больше в тени и желтые, которые отлично воспринимаются и в светах.

Насыщенность — враг фотографии

По мнению Павла Косенко, излишняя насыщенность, достигаемая за счет ее прямого повышения — вредна. Помимо того, что понижается вариативность цветов, так еще и страдает цветовой контраст. Бороться с ней надо, но нужно понимать, что цветовое восприятие изображения зависит не только от насыщенности цветов. Важную роль тут играет сам цвет. Он должен быть гармонизирован, цвета фотографии должны сочетаться друг с другом. В таком случае фотография будет приятна глазу и ее будет желание разглядывать все дольше и дальше.

Для гармонизации большого количества цветов, зачастую бывает достаточно только снизить их насыщенность. Тогда они «сблизятся» и пропадет излишний цветовой контраст. При этом автор предлагает сразу несколько вариантов понижения насыщенности:

  1. Снизить насыщенность сразу всех цветов либо добавить в каждый из них серый цвет.
  2. Добавить в каждый цвет некоторый сторонний оттенок.
  3. Если цветов не так много, то в каждый из них можно добавить остальные цвета фотографии.

И тут же Павел дает весьма дельный и ценный совет. При добавлении стороннего оттенка в изображение, человек автоматически находит нейтральные области и старается по ним понять, есть ли какой цветовой сдвиг в кадре или нет. Таким образом, восприятие человека можно обмануть, если оставить нейтральными, без цветового сдвига, те области фотографии, от которых ожидается нейтральность. Таким образом, оставив белые, серые или черные области нейтральными, фотохудожник сможет затонировать снимок, без ощущения нереальности происходящего. Таким простым приемом, как тонирование, можно с легкостью добиться гармонизации разрозненных цветов, они будут лучше сочетаться, а зрителю собственно будет начхать на то, какими были цвета в оригинале.

Прочие рекомендации

Опытный читатель умеет выискивать между строк, собственно, чем я и занимаюсь в свободное от основной деятельности время. И в книге Косенко я нашел еще кое-что.

Так Павел категорически против использования HDR-съемки в качестве инструмента художественного творчества. Что делает HDR? Подобная техника съемки сжимает динамический диапазон сцены. Делает темнее очень светлые участки кадра и делает светлее очень темные. Таким образом, в одном кадре можно соединить очень контрастные сцены, где при обычной съемке было бы невозможно одновременно обеспечить детализацию как в глубоких тенях, так и в самых ярких светах. Техника фиксации и отображения информации просто не способна на подобные подвиги, да и у человеческого глаза способность одновременного восприятия в широком диапазоне яркостей — ограничена.

А вот HDR помогает обойти эти технические и физиологические ограничения. Вроде бы все просто, но подобная искусственность только убивает всю художественность фотографии. Вместо отличной картины, получается инженерный чертеж, где важна точность, но нет места для полета фантазии зрителя. По мнению Павла Косенка, HDR-фотография — это удел прикладных задач, например, таких, как съемка интерьера гостиницы или нового теплохода, где важны и ценны именно детали, а не общее впечатления от композиции. И тут с Павлом трудно поспорить, хотя в некоторых случаях HDR все же приносит определенную пользу и для художественной фотографии тоже. Актуальная она тогда, когда инструмент фотографа не настолько хорош, чтобы вытянуть сложную сцену. И в умелых руках пользы от HDR будет больше, нежели вреда.

Не обошел стороной Павел и универсальные рекомендации, применяемые в цветокоррекции, точнее одну рекомендацию, которую очень любит применять на практике Дэн Маргулис. Я имею ввиду цветокоррекцию по цифрам. Итак, правильный цвет кожи европейца, по версии Косенко и других гуру, в LAB будет примерно такой:

  1. Значения a и b всегда положительны и чаще всего примерно одинаковы.
  2. Характерные значения a и b для среднего тона 15-20, где менее 15 — бледность, более 30 — перенасыщенность.
  3. b как правило больше a, кожа европейца при этом более желтая (загорелая), а не красная (обгорелая). Однако, старики, младенцы и рыжие, как раз наоборот обладают такими значениями b<a.
  4. Значения a и b в темном и светлом тонах, выше, чем в среднем. Как следствие — максимальное насыщение в среднем тоне.

Пленка против цифры

Не обошел стороной автор книги и такой аспект неизбежного срача на интернет-форумах, как сравнение пленочной и цифровой фотографии. И можно сказать, что у Павла получилось расставить все аргументы сторонников и противников пленки по полочкам.

Начнем с того, что по мнению автора, которое я разделяю, бессмысленно сопротивляться достижениям прогресса. Гораздо важнее научиться пользоваться его преимуществами в своих целях. Ведь технологии шагнули так далеко вперед, что уже бесполезно цепляться за устаревшее. Хотя не менее разумно не отрицать, а использовать весь накопленный опыт.

Многие адепты пленки, апеллируют к тому, что дескать фотографии, получаемые с пленки намного лучше, чем цифровые. Причем, пояснить, что же такое есть «намного лучше», они как правило не могут. И если попытать их при помощи горячего утюга или паяльника, то можно выудить то, что цвета на пленочных отпечатках или слайдах им нравятся больше, чем на цифровых камерах. И увы, похоже, что это действительно так. Действительно так было.

Что делает обычный цифровой фотоаппарат, вне зависимости от его класса? Так поступают все современные камеры, начиная от обычных простеньких мыльниц и заканчивая профессиональными камерами. Цифровая фотокамера, бескомпромиссно фиксирует реальный мир. То, что видит камера, то в последствии мы видим и на экране монитора, либо на фотобумаге. И подобные снимки не отличаются гармоничностью, они слишком натуральны и слишком вульгарны в своих цветах.

А если взглянуть на пленку? Адепты пленки сразу же укажут на зерно, которое скорее всего видно, а затем обратят внимание на то, что цвета в изображении получились куда более гармоничными и понятными для глаза. Почему? Да потому, что конкуренция на стремительно растущем рынке цветной фотографии в прошлом веке, заставила компании вкладывать средства в изучение того, как воспринимается цвет человеком. И две основные компании, доминирующие на этом рынке, американский Kodak и японская Fuji потратились тут изрядно, но и добились немалого.

Но благодаря своим исследованиям, компании смогли создать сбалансированные пленки, которые благодаря тщательно подобранным химикатам способны создавать сбалансированные по цвету фотографии. Тут же следует заметить, что поскольку Kodak ориентировался на рынок Северной Америки и Европы, где основное население белое, а Fuji на рынок Азии, то пленка Kodak давала характерный красноватый оттенок, а Fuji синеватый. Необходимость в таком «окрашивании» раскрывает тот уровень осведомленности инженеров компаний, который не позволяет усомниться в их высшей компетенции и знаниях, наработанных на ниве понимания цвета. Европейцы считают более привлекательными людей, имеющих немного загорелую кожу. Поэтому пленки Kodak, тонируют европейскую кожу и делают ее более загорелой. С другой стороны, азиаты, одаренные более смуглой кожей, считают бледных людей красивее загорелых. Поэтому для них, их региональный игрок Fuji выпускал пленку, которая наоборот уменьшала загар.

Таким образом, снимая на пленку, фотограф получал такую мощную поддержку по цветам от производителя, что большинство снимков у него получались превосходными по цвету, хотя почему так происходило, многие и не догадывались. Заметьте, что я не просто так указал выше, что подобная практика была в прошлом. В эпоху цифровой фотографии, те легендарные пленки уже давно сняты с производства. А на прилавках специализированных магазинов можно встретить пленку, предназначенную для сканирования, а это значит, что ничем кардинально от обычной цифры она не отличается. Скептики возразят, что если как следует поискать, то еще можно нарыть ту самую, сбалансированную до легендарности пленку. Да можно, некоторые смышленые продавцы, затарились последними партиями пленки. Но даже будучи хранимой в холодильнике, она увы, уже вся просрочена и риск получить дефектный снимок с ней неимоверно высок.

Что еще? Ах да, то самое, знаменитое зерно! В качестве одного из способов добавления вариативности цвета в живописи, выступают холст или мазки кисти. Фактурность поверхности из-за неравномерного освещения заставляет краску «играть» оттенками. Тот же самый эффект, сам собой, получился и у пленочной фотографии. Зерно добавляет цветовой или контрастный шум в снимок, разбавляя единые цвета, добавляя иллюзию оттенков. Вот и весь фокус зерна!

И тут же приведу еще один пример того, как современные технологии убивают старые, но привычные. Есть такой жанр фотосъемки — репортаж. Заключается он в серии фотографий, отражающих развертывание во времени какого-то события. Событие может происходить на протяжении длительного периода, когда меняется естественное освещение, а может вообще перетекать от одного вида освещения к другому. Выдержать все фотоснимки в едином цветовом решении с пленкой раньше было просто невозможно, поэтому репортажники и снимали свои шедевры на Ч/Б, там-то уж нюансы цвета никого не беспокоят. А что делают современные фотографы, увлекающиеся репортажами? Они даже и не заморачиваются по поводу цвета, ведь цифровая камера избавляет их от рутины по выпрямлению цветов на серии снимков.

Выводы

Если честно, то книга «Живая цифра» мне понравилась. Написана она легким слогом, при чтении не утомительна, а некоторая информация в ней для меня оказалась весьма полезной. Но к прочтению я не могу ее рекомендовать. Почему? Ну начнем с того, что совершенно непонятно на кого ориентирован сей труд. Первая часть повествования предназначена, по всей видимости, уже сложившимся фотографам, знающим что такое экспозиция и RAW-файл. А вот вторая часть, где излагается тестирование и сравнение таких RAW-конвертеров, как ACR и RPP, затем дается краткий Workflow по работе с RPP и в завершении всего присутствует ликбез по работе с кривыми в Adobe Photoshop, ориентирована однозначно на начинающих и жаждущих знаний фотографов. Как результат — полное смешение назначения, эдакая пшенная кашка, вроде и для здоровья полезно, но наесться от пуза не получится.

Во-вторых, несмотря на все прекрасные иллюстрации книги, почерпнуть многое из нее нельзя. В книге нет никакого углубления в теорию или практику, в ней нет тех мелких деталей, которые строят все здание миропознания. Зато в «Живой цифре» можно определить направление, в котором нужно двигаться, тем более, что автор угодливо преподносит список рекомендуемой литературы, собственно того базиса, который и необходим для глубокого осознания темы гармонии цвета и тайны хорошей фотографии.



Добавить комментарий